Steven Spielberg

Spielberg sabe no agotar las situaciones; en un film de guerra no me cuentes la misma batalla diez veces, cuéntamelas de diferentes maneras o cuéntame lo importante el principio y el final y el resto en pequeñas escaramuzas, como en Salvar al soldado Ryan, donde esas secuencias de la muerte del médico del pelotón o la escena contada en voz en off tan buenas, sirven para aderezar ese comienzo y ese final de mayor importancia. Todo eso, inexplicablemente, no se le quiere ver. ¿Por qué? quizá porque sea un director que maneja mucho dinero, por sus campañas de publicidad tan grandilocuentes, etc. El problema es que debajo de todo eso hay una gran película. Utiliza un enorme aparato de publicidad pero al contrario de otra producciones, con igual despliegue de medios, Spielberg hace una buena película. Y esto va en su contra porque como normalmente las producciones que abusan tanto del marketing son como son, pues parece que todas son igual de malas, y en el caso de Spielberg ese despliegue se respalda con un buen trabajo.

También tiene la característica de que sus pelis hay que verlas en cine, y esto es cada vez más dificil de decir de un director. Sus películas hay que verlos en una gran pantalla porque es un director de cine, en el sentido de que juega con los grandes formatos, usa la totalidad de la pantalla para narrar y decirte cosas, soluciones visuales, puestas en escena. Como trabaja con el sonido, como consigue dar miedo con el sonido (las balas en Ryan, los sonidos de las naves en La Guerra de los Mundos), como lo incorpora como un elemento más para el dramatismo de la cinta. Al hablar del sonido hay que hablar de la música y de ese tándem inseparable con John Williams. Como este ha sabido dar en el clavo en cada una de sus trabajos y como se ha ido oscureciendo su sonido a la vez que se oscurecía la visión de Spielberg.

texto_ juan de dios salas

Steven Spielberg

Spielberg es un magnífico contador de historias, siendo capaz con cuatro planos de ponerte el pelo de punta, hacerte reír o hacerte llorar. Y además con un lenguaje que sabe a clásico, es decir, sin recurrir a cámaras aceleradas ni pegando saltos, ni cortes de montaje brutales ni nada de eso. Narra de una forma muy clásica pero al mismo tiempo puede ser muy sorprendente, muy original. Prueba de ello Salvar al Soldado Ryan, (1998) film que marca un antes y un después en el cine bélico, no tanto por la historia, que es un compendio de tópicos del género, como por la puesta en escena: Como rueda determinadas escenas, el ritmo interno que le da a las secuencias, combinando planteamientos muy novedosos con momentos de un clasicismo digno de John Ford. Y esto lo hace sin ningún problema, con una perfección que sobrecoge. Así pues, al ver sus películas, incluidas las más incompletas, siempre te vas a encontrar momentos magistrales, no buenos, si no magníficos, de esos que se ponen en una escuela de cine para ejemplificar como se rueda un beso o una escena cómica, como resolver determinadas situaciones a la perfección. Eso hoy en día es muy pero que muy difícil de ver. Y más, moviéndonos dentro de un cine comercial.

Hay que aclarar que se cree que en el cine comercial entra cualquier cosa y no es cierto. Digamos que existe el Spielberg serio, el de La lista de Schindler (1993) o Munich (2005). Ese es un director fabuloso para la crítica y para el público también. Pero es que el Spielberg diversión, el de aventuras, el de Tiburón (1975), Indiana Jones (1981) o Parque Jurásico (1993) es igual de brillante, y mucho más si lo comparas con los imitadores y sucedáneos que aparentemente parecen lo mismo. Es hiriente comparar Parque Jurasico con Gozilla (1998). Resulta molesto. Además demuestra lo malo que es Roland Emerich, malo por los cuatro costados, con avaricia. Es injusto comparar La Guerra de los Mundos (2005) con Independence Day (1996).

Uno de los problemas que encontramos con Spielberg es la actitud de determinados sectores de los medios, de la crítica y determinado sector del público. La frase “a quien le gusta el cine, le gusta Spielberg” es ley. Si te gusta Spielberg, te gusta el cine. Otra cosa es que te guste un tipo de cine en particular o un determinado estilo. En Spielberg, independientemente del guión, que los ha tenido muy flojos, de algún personaje infumable o de los altibajos de algunas de sus películas, siempre podrás encontrar momentos magistrales. Por ejemplo en 1941 (1979), una película flojísima, un desmelene total que no le salió, te encuentras dos escenas fabulosas. La del baile de los soldados, por ejemplo, es prodigiosa en cuanto a puesta en escena. La podría haber firmado perfectamente un director clásico de cine musical.

También es un director que destaca en la la capacidad de manejar los recursos técnicos. Más allá de tener siempre un gran presupuesto a su disposición, hay que saber manejarlos sin tirar demasiado de efectos especiales, o que estos tengas un sentido. Prueba de ello es La Guerra de los Mundos donde pudiendo sacar mil naves espaciales, saca tres. No necesita más. El resto es un ejercicio de como meter miedo, con el sonido, con la intriga, con lenguaje cinematográfico y no con mil y un efectos especiales. Son momentos que tienes que saber dirigirlos, tienes que saber hacerlos.

Con los actores pasa lo mismo. Tiene esa difícil capacidad de sacar lo mejor de cada reparto. Y de descubrir actores antes que nadie o lanzarlos al estrellato.

Así pues es un grandísimo narrador de historias y un magnífico hacedor de imágenes. No ha creado, como Howard Hawks, un universo propio pero tiene lo que este siempre decía: Una película se cuenta con imágenes. No se recuerdan los argumentos, se recuerdan las imágenes. Puedes recordar más o menos de que va la historia pero te acuerdas de una imagen, de una secuencia. Tu no te acuerdas de por qué persiguen a Gary Grant en Con la muerte en los talones, pero te acuerdas perfectamente de la escena de la avioneta persiguiéndole. Eso es Spielberg: imágenes. La bicicleta volando en ET, Indiana luchando en los camiones, las fauces del Tiburón, El impresionante principio de Ryan…

texto_ juan de dios salas

Reducir la vastísima filmografía, alambicado río rebosante de afluyentes y recovecos en no pocos países, a la importancia de un solo título sería una impertinencia, una insensatez digna de toda reprobación. Pero lo que sí se antoja a todas luces innegable para todo cronista es el punto de inflexión en su carrera que marcó un director, David Lean, y una película, Lawrence de Arabia, primera de sus dos colaboraciones con el cineasta británico.

Pero, ¿quién era aquel actor de rostro tremendamente atractivo? ¿En qué arenas del desierto estaba escondido hasta ese momento un intérprete tan arrebatadoramente seductor?

Michel Dimitri Shalhoub, pues así es su nombre verdadero, nació en Alejandría en 1932. De origen libanés, educación cristiana y familia con buena posición económica, el joven Michel destacó en los estudios, licenciándose en Matemáticas y Física por la Universidad de El Cairo. Pero tras trabajar durante un tiempo en el negocio familiar, una fábrica maderera, se decide a probar suerte en el cine. Dotado de un físico único, a los 22 años se convierte en todo un galán gracias a su papel protagonista en Siraa Fil-Wadi (The Blazing Sun en el mercado internacional), dirigida por Youssef Chahine, un drama épico teñido de romance que muchos consideran una de las mejores películas egipcias de la época y en la que conoce a la que será su esposa, Faten Hamama, sólo un año más joven pero ya toda una estrella en su país, con el peso de casi 50 filmes sobre sus hombros pese a su juventud. Pareja dentro -Ayyamine El Helwa, Siraa Fil-Mina, Ard El Salam…- y fuera de la pantalla en los años sucesivos, Sharif y Hamama se convierten en todo un fenómeno en su Egipto natal, pero será Omar quien dé el salto internacional. Primero, con sus coqueteos con el cine francés, como La chatelaine du Liban o Goha, en cuyo reparto despuntaba otra actriz de rasgos árabes y belleza simpar, una jovencísima Claudia Cardinale. Y tan sólo un poco más tarde, con la aparición repentina, cual oasis, de la figura de David Lean… pero no crean que todo fue llegar y beber el santo.

Lean era un realizador popular y excelentemente considerado en Inglaterra a raíz de sus adaptaciones de Dickens (Oliver Twist, Grandes esperanzas) que justo antes de embarcarse en Lawrence de Arabia había conseguido un enorme éxito internacional con El puente sobre el río Kwai. Acostumbrado gracias a ese filme a mezclar nacionalidades con soltura en su elenco, Lean sabía que un norteamericano no era el actor adecuado para un rol tan exótico como el del jefe tribal Sherif Ali. Debía encontrar un rostro lo suficientemente desconocido para ganarse la confianza del espectador, o bien recurrir en última instancia a uno de los camaleónicos caballeros británicos de la interpretación. Su primera elección fue el alemán Horst Buchholz, pero éste declinó la oferta para rodar con Billy Wilder la comedia Uno, dos, tres. El segundo candidato, nada menos que Alain Delon, se vio obligado a abandonar tras sufrir problemas con las lentillas de color marrón que exigía la caracterización. Y Maurice Ronet, su última apuesta, fue descartado finalmente por su marcado acento francés y unas desastrosas pruebas de vestuario. Al pobre Ronet no debió sentarle nada bien, años después, los comentarios de Lean sobre aquel casting: “Se vino a mí caminado como un travesti”.

Fue el propio Lean quien conoció a Sharif gracias a una revista del corazón egipcia y preguntó directamente por él. Con su tez morena, su pelo negro, esa masculinidad adherida en cada poro de la piel y su mirada penetrante, Sharif no tardó con hacerse con el papel. Eso sí, tuvo que aguantar las bromas del siempre burlón Peter O’Toole, su compañero en el filme, que le llamó Fred durante todo el rodaje argumentando que “no hay nadie en el mundo que pueda llamarse Omar Sharif, así que tu nombre debe ser Fred”. Qué equivocado estaba, pues muy pronto el mundo entero se aprendería ese extraño nombre al pie de la letra, de la O a la F.

Y es que el éxito brutal de Lawrence de Arabia, Globo de Oro y nominación al Oscar al Mejor Actor Secundario incluidos, hizo de Omar Sharif toda una estrella. El esfuerzo –“Estuve dos años trabajando en el filme, sin cuarto de baños ¡y sin mujeres! Fue como el servicio militar”, declaró en una ocasión- había merecido sin duda la pena. A partir de ahí, Sharif se convirtió en presencia habitual en superproducciones y proyectos cada cual más mastodóntico –La caída del Imperio Romano, Las aventuras de Marco Polo, Genghis Khan…y sobre todo, Doctor Zhivago, su siguiente filme con Lean y otro éxito de proporciones bíblicas- y vivió múltiples romances tanto dentro como fuera de la pantalla. El más sonado, quizás, con Barbra Streisand, con quien compartió cartel en Funny Girl y Funny Lady, pero también tuvo tiempo de seducir, entre otras, a Sophia Loren, en C’era una volta…, ahí es nada. Con fama de mujeriego, el actor también ha gustado de cultivar el mito. “Las feministas agresivas me asustan”, ha llegado a confesar no sin poca sorna.

Con una trayectoria tan amplia como sorprendente, donde abundan los roles con coartada histórica –Mayerling, El último valle o Che, el biopic perpetrado por Richard Fleischer sobre el revolucionario cubano y que le trae a Granada este junio-, papeles de lo más variopinto en sabrosones europuddings –Ashanti, Las flores del diablo, La isla misteriosa- y hasta momentos hilarantes en títulos singulares –su cameo en La Pantera Rosa contraataca, o su breve intervención en Top Secret- el veterano Sharif continua en activo sin desmerecer un ápice o un momento ese éxito que le llegó un día de las arenas. Basta fijarse en El sr. Ibrahim y las flores del Corán, intimista historia que se ganó el corazón del público hace unos años y que reactivó el interés por un actor enamorado de E.T. (“Si tuviera que elegir la mejor película de la historia objetivamente, elegiría Ciudado Kane”, declaró en una entrevista, “pero me encanta la de Spielberg”) y que hizo del bridge casi su segundo oficio. “Prefiero jugar al bridge que hacer una mala película”, confesó en otra ocasión. Mirando atrás, debemos agradecerle que no se haya sentado tanto en la mesa y haya preferido el noble juego de la interpretación.

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Dos grandes ejes vertebran la programación: la Sección Oficial, con títulos inéditos en España tanto de exhibición comercial como en festivales, e Itinerarios, recorrido por el año cinematográfico de los países de interés del festival cuyos títulos se proyectarán al aire libre en Pantalla Abierta. Además, cinco películas concursan en la sección competitiva Mediterráneos, cuya temática gira en torno a las culturas que forman el Mediterráneo. Estos films serán proyectados en el patio del Corral del Carbón, sede del festival.

Llevados por el deseo de proteger, el patrimonio cinematográfico de los cines sureños, Cines del Sur y la World Cinema Foundation (WCF), con Martin Scorsese a la cabeza, proponen sesiones especiales de clásicos del cine africano, como Come Back, Africa (Lionel Rogosin, 1959), restaurados por la Cinemateca de Bolonia. Dentro de las dos retrospectivas del festival, este año Cines del Sur rinde homenaje al cineasta maliense Souleymane Cissé y ofrece una completa selección de películas sobre la Revolución Cubana en su 50º aniversario. Además, TRES SUR acerca al público granadino el fenómeno del vídeo nigeriano, conocido como Nollywood, industria audiovisual considerada actualmente la tercera más grande del mundo.

La Revolución Cubana vista por los cineastas extranjeros

Este año Cines del Sur conmemora el 50 aniversario de la Revolución cubana con una muestra de películas realizadas por cineastas extranjeros en Cuba entre 1959 y 1969. La Revolución sorprendió en la isla a algunos cineastas que pudieron anticiparse con sus filmaciones a los realizadores cubanos. Tal fue el caso de Errol Flynn y Victor Pahlen, responsables de dos atípicos documentos históricos: The Truth About Fidel Castro Revolution/Cuban Story y Cuban Rebel Girls. Otros, como Néstor Almendros (Gente en la playa), establecidos en el país, no tardaron en colaborar con el nuevo régimen. Numerosos cineastas extranjeros visitaban también la isla para conocer de primera mano el curso de la Revolución, como Agnès Varda (Salut les Cubains) o Richard Leacock (Yanqui No!). Cines del Sur proyecta, tras su restauración, la aclamada Soy Cuba de Mijaíl Kalatozov, además de recuperar trabajos menos conocidos como La novia de Cuba, del japonés Kazuo Kuroki. La retrospectiva contempla también los casos de extranjeros que, sin haber pisado la isla, ofrecieron también su visión. Desde la anticastrista ambientada en Miami We Shall Return, hasta la hollywoodiense Che! de Richard Fleischer, o Andy Warhol y su The Life of Juanita Castro. Se trata de la más amplia retrospectiva jamás realizada sobre este rico legado, acompañada por la publicación de la monografía Intrusos en el paraíso, coeditada con la Filmoteca de Andalucía, a cargo del prestigioso crítico e historiador Juan Antonio García Borrero.

Souleymane Cissé: Con los ojos de la eternidad

Una de las figuras más destacadas de la escena cinematográfica del continente africano es Souleymane Cissé, un artista comprometido con su tiempo que lucha activamente en favor del desarrollo de una auténtica industria audiovisual en África. Nacido en Mali en 1940, Cissé, de  planteamientos abiertamente marxistas, es una figura claves en el movimiento hacia el realismo social en el cine africano, siendo el primero en ganar un premio como el del Jurado en el Festival de Cannes con su obra La luz (Yeelen, 1987), film con el que pasó a formar parte de la escena cinematográfica internacional. Entre su filmografía podemos destacar La joven (Den muso, 1975), El trabajo (Baara, 1978) y El viento (Finyé, 1982), Gran Premio en el importante Festival Panafricano de Ouagadougou (FESPACO), film muy crítico con la situación política en su país de origen. La coproducción multinacional El tiempo (Waati, 1995), basada en una descripción descarnada del apartheid, supone para el autor una vuelta al realismo social de sus primeros trabajos.

El Festival de Granada Cines del Sur presenta en su tercera edición la publicación del libro Souleymane Cissé: con los ojos de la eternidad, un detallado estudio a cargo de María Coletti y Leonardo De Franceschi de la obra del más aclamado cineasta del África subsahariana.

Nollywood: el boom del vídeo nigeriano

A principios de los noventa, comienza a proliferar en Nigeria una industria audiovisual que se ha convertido en un auténtico fenómeno en el África subsahariana. Ya conocido como Nollywood por haberse convertido en el tercer productor audiovisual a nivel mundial, el vídeo nigeriano se caracteriza por realizar películas con presupuestos ínfimos, grabadas con cámaras digitales y distribuidas directamente en DVD con enorme éxito.

Organizado en torno a dos proyecciones y una mesa redonda con algunos de los mejores especialistas sobre el tema, el Día Nollywood, que tendrá lugar en el marco del festival, aspira a proporcionar a los interesados una fácil vía de introducción al espeso paisaje de Nollywood, así como a fomentar la discusión y el debate en torno a sus presupuestos industriales, estéticos e ideológicos.

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Todos aquellos que criticamos el cine patrio por pusilánime y técnicamente borracho hemos de cerrar la boca ante 3 Días. Y es que el cordobés F. Javier Gutiérrez ha conseguido una cinta americana con acento andaluz. Pasó sin pena ni gloria por las carteleras -para variar- pero se ha convertido, junto a Los Cronocrímenes, en una de las imprescindibles del año. Vencedora en el festival de Málaga, ha sido incluida en la tercera posición de la “2008 International Watch List” (lista holywoodense de las mejores películas no americanas) por delante de éxitos como Gomorra o la vencedora en Cannes The Class.

“3 días” combina magistralmente el carácter español con una idea de lo más americana. Escribiste el guión junto a Juan Velarde pero ¿De donde surgió la idea para la historia? ¿Cómo la sacasteis adelante? La idea original y la base del argumento de 3 dias estaban ya en el primer borrador de guión de Juan, yo me incorpore a la escritura más tarde, siendo ya director del proyecto. En el proceso de reescritura hasta el guión definitivo intente potenciar los aspectos mas psicológicos, oscuros y ambiguos de la trama en contraste con la inocencia, sutileza y belleza de otros, así como aumentar la tensión e imprimir un cierto sentido visual y del espectáculo a la historia sin perder en ningún momento la identidad y ese “carácter español”.

El apoyo y fe incondicional de Maestranza Films, Green Moon y Pentagrama Films, como productores, fue imprescindible a la hora de sacar adelante un proyecto “casi imposible” en nuestro cine.

De la película me ha fascinado la belleza y riqueza de los planos recurso, ayudan a contar mejor la historia. Pero a la hora de rodar ¿Eres de los que improvisan, o te gusta seguir un storyboard? Gracias;) Soy de los que atan hasta el último cabo y se ven obligados a improvisar;)

Trabajo siempre con un storyboard bastante cerrado (que eso si, acaba simplificado) lo que no quita que necesariamente me vea obligado a improvisar (como suele pasar en cualquier rodaje). El hecho de tener presente el montaje y el ritmo que quieres imprimar a la secuencia facilita bastante a la hora de rodar

El reparto entero está increíble, en parte gracias a esta película, hemos descubierto a Víctor Clavijo. ¿Cómo trabajas la dirección de actores? Con libertad y confianza mutua, sabiendo escuchar, incorporando nuevas ideas, pero sin perder el horizonte de la historia y la dirección que ésta ha de seguir. La clave reside en el proceso del casting, una vez lo cierras, si estas satisfecho con el resultado, tienes bastante avanzado. Eliges un reparto sabiendo lo que te puede dar. En el caso de 3 Dias el proceso de casting fue minucioso e intenso, tuve la oportunidad de llevarlo a cabo personalmente, con total libertad y el respaldo incondicional por parte de las productoras. Contar con Victor, Mariana y Eduard ha sido todo un lujo, son sin duda alguna de lo mejor de nuestro cine.

Contar con Eduard Fernández en tu primer largometraje es todo un lujo ¿Cómo conseguisteis que se involucrara en el proyecto? Eduard siempre fue mi primera opción ya desde el guión. Es un actor visceral, magnético, poderoso en la pantalla… Cuando lo recibió, lejos de cuestionarlo, se lanzó al proyecto de cabeza. Siempre le agradecere su confianza por ello.

El acento andaluz no suele tener buena acogida en el cine, pero en la película no sólo funciona, sino que le imprime un sello personal. ¿Quisiste que fuese así desde un principio? Sí. Siempre estuvo presente la idea de mantener esa identidad andaluza en el proyecto. Personalmente, como bien dices, creo que de algún modo le beneficia.

¿Qué directores españoles y extranjeros te gustan? Extranjeros: Cronemberg, Tim Burton, David Lynch, Spielberg, De Palma, David Fincher, Jean-Jaques Annaud,…etc.

Españoles: el ya mítico Ibáñez Serrador (“Quien Puede Matar a un niño”, inmejorable), Fesser, Medem, mi compañero Bayona, etc…

¿Cómo ves el panorama actual del cine español? Creo que necesita un empujón;)  …espero que las nuevas generaciones lo agiten un poco.

entrevista_  cristina martín + christian morales

Director

Nacionalidad: EEUU

Año: 2008

Intérpretes: George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich, Tilda Swinton, Richard Jenkins, Brad Pitt…

Tan sólo unos meses después de ganar el oscar por “No es país para viejos”, los Cohen nos deleitan con esta nueva película que se centra más en la faceta que mejor dominan: ése subgénero que crearon a partir de la comedia, pero más negra y enrevesada. En esta ocasión, recurren a algunos de sus actores fetiche para asegurar un reparto excelente en el que, para sorpresa de algunos (no mía), la interpretación de Brad Pitt se revela como la joya del metraje, consiguiendo ensombrecer con un personaje secundario al resto de los actores, entre los que se incluyen algunos de los más grandes como John malkovich, que se hace tan caro de ver desde que iniciara su labor de dirección, o Frances McDormand, soberbia en su papel de empleada de gimnasio, y con la que por suerte casi siempre podemos contar en una peli de los Cohen, debido al matrimonio de ésta con Joel. No podía faltar tampoco un George Clooney de miradas y gestos histriónicos que borda su papel de “listo-estúpido”.

Así mismo contamos con la incorporación de Tilda Swinton y de secundarios de lujo como JK Simmons o el magnífico Richard Jenkins, cuyo papel es el único que no está a la altura de su talento.

El guión es de una genialidad y ligereza apabullantes, que deja al espectador con ganas de más, con secuencias irrepetibles como la de la conversación telefónica entre Malkovich y Pitt, o su posterior encuentro en el coche. Para terminar, la dirección de actores, el montaje y una banda sonora de primera cuyo plato fuerte es la canción “Grounds for divorce” de Elbow, contribuyen a hacer de esta nueva entrega de Joel y Ethan Cohen uno de los mejores estrenos de la temporada. Y para aquellos como yo que dudaron de ellos tras su última película, nos queda esa frase que JK Simmons dice en la película “Supongo que hemos aprendido a no volver a hacerlo. Aunque no sé qué demonios hemos hecho.”

texto_ cristina martín

Director

Nacionalidad: EEUU

Año: 2007

Intérpretes: Russell Crowe, Christian Bale, Logan Lerman, Ben Foster, Peter Fonda, Vinessa Shaw, Alan Tudyk…

Dos de los principales actores del momento Christian Bale y Russell Crowe, protagonizan este western de corte clásico sin demasiadas escenas de acción pero mucha carga psicológica. Un gran guión y un no menor trabajo de dirección hacen de 3:10 to Yuma una de las mejores cintas del año.  El correcto James Mangold, director entre otras de Inocencia interrumpida, saca de las viejas alforjas del cine este remake del mismo relato que ya hiciera Delmer Daves (director de “El Arbol del Ahorcado”) con Glenn Ford en 1957. Un magnífico elenco de secundarios, como son Peter Fonda, Ben Foster, Logan Lerman o Kevin Durand dan perfecta réplica a uno de las mejores duelos interpretativos de este siglo. Raro es ver que se ahonde en la intimidad de los personaje, de tal manera que la relación entre el forajido Ben Wade (Crowe) y el granjero Dan Evans (Bale) se va cociendo a fuego lento hasta llegar a un final sorpresivo que termina soportando todo el peso de la película entre asaltos a diligencias, tugurios de mala muerte y cazadores de recompensas. O lo que es lo mismo ley contra caos, intereses comerciales, desesperación económica, amor familiar, lealtad fraternal, honor, cobardía y alguna que otra escaramuza con la construcción del ferrocarril como telón de fondo. Vamos, todos los ingredientes del western que hacen de este un film de continua ascensión dramática a la altura de Sin Perdón. Y si no es así, un claro y notable homenaje a la vertiente mas clásica de su género. Recomendable de principio a fin.

texto_ christian morales

Director

Nacionalidad: España

Año: 2008

Intérpretes: Jason Isaacs, Julia Ormond, Jürgen Prochnow, Jordi Mollà, Joaquim de Almeida, Juanjo Puigcorbé, Blanca Jara, Fabio Testi…

He de admitir que a falta de mayor espacio para críticas, no gusto de valorar aquellas cintas que no merezcan ser recomendadas. Pero siempre me pregunto si es la autoindulgencia que se tiene con nuestro cine el mayor problema que precisamente tenga. La conjura del Escorial es lamentable y cateta como pocas. Tanto, que merece ser vista sólo si deseamos tirar a la basura nuestro tiempo o para explicar como no hacer las cosas en algún curso de cinematografía. Empezando por el rigor histórico -escasito- o la dirección de actores, -de traca, para variar- y terminando por cualquier cosa (guión, narración, puesta en escena, subtramas, diálogos…) la cinta de Antonio del Real no tiene por donde cogerse. Se salva -por decir algo- la magnífica recreación del vestuario y las actuaciones de Jason Isaacs, Joaquím de Almeida y Juanjo Puigcorbé. Lo demás, patético. Una burla absoluta al espectador, a la Historia y a la inteligencia. La trama, aún basada en acontecimientos históricos, está tan tergiversada que se avisa al principio de la película. ¡Con un par! La narración, farragosa a más no poder, se acompaña de una cantidad interminable de escenas sin sentido, vacias de contenido e igual de superfluas que las subtramas en las que se enreda la línea argumental principal ¿Para que rodar mil escenas que no aportan nada a la narración? ¿Por deporte? En fin… Lo del doblaje también es “heavy metal”! ¿No tuvimos suficiente con Viggo Mortensen en Alatriste? No! Tiene que venir el pobre de Jordí Mollá para hacerlo aún peor. ¡Es tan mala que hace buena a Alatriste!

En definitiva, un ingente presupuesto malgastado, un decorado inédito (El Escorial) al que se le podría haber sacado mucho más jugo y yo, iluso, buscando algo donde no hay nada. ¡Que primo!

texto_ christian morales

Director

Nacionalidad: USA y Reino Unido

Año: 2008

Intérpretes: Asa Butterfield, David Thewlis, Jack Scanlon, Amber Beattie, Vera Farmiga.

El año pasado, un pequeño libro titulado  “El niño con el pijama de rayas”, encandiló al público de medio mundo, con una historia del ya tan explotado holocausto judío, y sin embargo contándola desde  un punto de vista novedoso: el horror de los campos de exterminio visto desde los ojos de un niño, hijo de un nazi, que sin embargo entabla una hermosa amistad con otro niño prisionero al otro lado de la alambrada. Llevar a la gran pantalla un best seller siempre es sinónimo de una suculenta recaudación en taquilla. Eso debió de pensar la productora, Heday Films, pero no siempre el resultado es igual a éxito entre el público. Para los que hayan leído el libro, decepción sería la palabra adecuada. Mark Herman, el director, hace un trabajo impecable, desde el punto de vista técnico y formal. Tanto los personajes como la ambientación son perfectos. Pero pierde la frescura y espontaneidad, que desde el primer momento es lo más cautivador del relato escrito. Si el libro sugiere, la película lo desvela todo a la llegada de la familia al campo de concentración, logrando así que el desarrollo de la acción y el dramático final sean de lo más previsible. Lo más destacado es la interpretación de los actores, especialmente la de los dos niños, increíblemente expresivos, que logran elevar la calidad artística de un filme que no ha sabido cumplir las expectativas.

texto_ patricia rojas